Em ordem decrescente:

5) Lara Croft – Tomb Raider (2001), de Simon West
e Lara Croft Tomb Raider – A Origem da Vida (2003), de Jan de Bont

A série de games tem altos e baixos, mas apresentou uma das heroínas mais idolatradas do universo nerd. Já os filmes não ficaram na memória de quase ninguém, exceto pela presença estonteante de Angelina Jolie. Talvez a beleza da atriz nunca tenha sido tão intencionalmente explorada na tela em dois filmes que valem por um “bocão” e várias curvas perfeitas. Só ela saiu ganhando. Se o Oscar por Garota, Interrompida gravou o nome de Angelina Jolie na história do cinema, Lara Croft colocou a atriz no coração do público.

4) O Procurado (2008), de Timur Bekmambetov

James McAvoy pode ser o “Escolhido”, herói mais importante de obras cultuadas como Star Wars, O Senhor dos Anéis, Harry Potter, Matrix, e tantas outras. Mas, primeiro, ele precisa passar por Angelina Jolie, que deixa o herói de queixo caído o filme inteiro. No início, por apresentá-lo a um mundo fantástico, onde é possível desviar a trajetória das balas, saltar de alturas inimagináveis e fazer as mais incríveis acrobacias para escapar ileso das situações mais perigosas. No fim, por representar um ponto de fraqueza para o herói formado e já ciente de sua força e capacidade, tornado-se imbatível. Menos na hora em que cruza com a assassina das costas mais bonitas do cinema: Fox (Angelina Jolie).

3) Sr. e Sra. Smith (2005), de Doug Liman

Na época de seu lançamento, Brad Pitt era o astro mais desejado pelas mulheres do Planeta, enquanto Angelina Jolie era cobiçada por 10 entre 10 homens do mundo. Os dois haviam acabado de assumir um romance que balança as estruturas de Hollywood – e as pessoas que acompanham o circo – até hoje. Na minha opinião, não há outro filme que mostre Angelina tão bonita quanto em Sr. e Sra. Smith. Talvez porque ela ainda não estivesse tão magra quanto na fase pós-O Procurado, de 2008. A brincadeira do casal de verdade que briga de mentirinha na tela foi compreendida por Brad Pitt e Angelina Jolie. Os dois estão ótimos nesta divertida metáfora sobre os altos e baixos do casamento. É o marido tentando provar que ainda é o “homem” da casa, enquanto a mulher mede forças de igual para igual com o sexo oposto.

2) A Troca (2008), de Clint Eastwood

No começo da Era Obama, o bom e velho Clint deixa de lado o pessimismo e abraça a esperança. A Troca inaugura essa nova fase do diretor, que segue em Gran Torino e Invictus. Simbolizada aqui pela pura, doce e inocente figura da mãe, interpretada por Angelina Jolie, que perde o filho e passa pelos mesmos medos e inseguranças de Sean Penn, em Sobre Meninos e Lobos. Mas enquanto Penn utiliza a força bruta masculina, Angelina jamais abdica de sua feminilidade para combater a injustiça e encontrar sua merecida paz de espírito. Com justiça, ela foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz.

1) Garota, Interrompida (1999), de James Mangold

Este foi o filme que oficializou a entrada de Angelina Jolie pela porta da frente de Hollywood. Isso logo depois de chamar a atenção em Gia, produção feita para a TV que lhe rendeu o Globo de Ouro de Melhor Atriz. Em Garota, Interrompida, que também revelou o diretor James Mangold, de Johnny & June, Os Indomáveis e Encontro Explosivo, Angelina -  toda loira e com seus lábios como carro-chefe – conseguiu ofuscar uma das estrelinhas da época: Ninguém menos que Winona Ryder. É “Um Estranho no Ninho para mulheres”, mas vale a pena pelo talento da até então “filha de Jon Voight”. Ele sempre será seu pai, claro, mas você entendeu.

Pensando nisso, o Hollywoodiano preparou uma lista com os 10 melhores filmes da Miramax. Não foi fácil deixar alguns títulos de fora. Você não vai ver, por exemplo, o longa de Fernando Meirelles aqui, afinal ele não foi financiado pela produtora.

Em ordem decrescente:

10) O CORVO (1994), de Alex Proyas

Hoje, o filme é mais lembrado pela morte trágica do astro Brandon Lee. Mas o diretor Alex Proyas, bancado pela Miramax, teve a coragem de entregar uma aventura sombria numa época em que Hollywood não investia tanto assim em adaptações de histórias em quadrinhos, exceto por Batman e Batman – O Retorno, que não entram com semelhante intensidade nas profundezas das trevas.

9) TIROS NA BROADWAY (1994), de Woody Allen

Ninguém queria mais saber do grande Woody Allen, mas a Miramax apostou nele. Tiros na Broadway, uma deliciosa, divertidíssima homenagem ao teatro e aos filmes de máfia rendeu sua última indicação ao Oscar de Melhor Direção.

8 ) REGRAS DA VIDA (1999), de Lasse Hallström

O melhor filme do diretor sueco em Hollywood tem um dos finais mais emocionantes que já vi. É um belíssimo dramalhão sobre a relação entre pais e filhos. É, no fim, acho que Regras da Vida é mais sobre esse tema do que qualquer outro. Michael Caine levou o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. E o filme também faturou a estatueta de Melhor Roteiro Adaptado.

7) A VIDA É BELA (1998), de Roberto Benigni

Pode reclamar, discordar, mas Benigni mereceu o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, passando por cima de Central do Brasil. Só não acho que deveria ter rendido ao comediante italiano a estatueta dourada de Melhor Ator, que poderia ter ido para Sir Ian McKellen, por Deuses e Monstros.

6) TRAINSPOTTING (1996), de Danny Boyle

Sem a Miramax, jamais teríamos conhecido o cineasta Danny Boyle, que acabou ganhando o Oscar anos mais tarde por Quem Quer Ser um Milionário?, e o astro Ewan McGregor. Antes disso, a produtora havia bancado a dupla no ótimo Cova Rasa. Mas foi Trainspotting que estourou a boca do balão. Foi comparado ao excepcional Laranja Mecânica, mas não merecia. Tem personalidade própria e uma abertura genial ao som de Iggy Pop. Quer mais? Ok, o filme também revelou o ator Robert Carlyle.

5) MEU PÉ ESQUERDO (1989), de Jim Sheridan

O diretor irlandês Jim Sheridan emendou duas grandes parcerias com o grande Daniel Day-Lewis – Meu Pé Esquerdo e, quatro anos depois, Em Nome do Pai -, mas Hollywood não quis investir tanto assim em seu inegável talento. Pena. Mas foi aqui que conhecemos de vez o monstro chamado Daniel Day-Lewis. O ator já havia feito diversos filmes, mas seu legado, que inclui Sangue Negro e Gangues de Nova York, começou com o emocionante Meu Pé Esquerdo.

4) GÊNIO INDOMÁVEL (1997), de Gus Van Sant

Olha a Miramax mais uma vez revelando caras novas para Hollywood. Os amigos Matt Damon e Ben Affleck deixaram o anonimato da noite para o dia com um roteiro esperto e emocionante. Um dos reis do cinema independente, o diretor Gus Van Sant deu uma mãozinha e foi recompensado com sua primeira indicação ao Oscar da categoria. Robin Williams, por sua vez, que vinha de uma sequência boa de indicações – Bom Dia Vietnã, Sociedade dos Poetas Mortos, O Pescador de Ilusões – foi finalmente reconhecido pela Academia com Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. 

3) KILL BILL (2003/2004), de Quentin Tarantino

Aviso: Considero Kill Bill um filme só. Apenas foi dividido em duas partes. Uma Thurman ganhou o maior papel de sua carreira e Quentin Tarantino, bem… A Miramax trouxe ao mundo o cineasta Quentin Tarantino. Dispensa apresentações. Esqueça Matrix ou qualquer outro longa recente que faça homenagens aos clássicos das artes marciais. Kill Bill é o filme que você procura.

2) SANGUE NEGRO (2007), de Paul Thomas Anderson

Sangue Negro é um épico sobre empreendedorismo, progresso, evolução. Também fala sobre como o ódio, a fúria e o medo de perder o poder podem funcionar como aliados do homem na realização de seus objetivos. Por mais pessimista que isso pareça, Paul Thomas Anderson faz uma análise profunda de um personagem que pode ser a síntese da América da Era Bush. E traz Daniel Day Lewis em um momento excepcional de sua carreira. Não teve como sair da festa da Academia sem um Oscar.

1) PULP FICTION (1994), de Quentin Tarantino

Bom, não vou escrever horas aqui sobre Pulp Fiction. Você sabe o que o filme significa para todos nós. Resgatou a carreira de John Travolta, mudou o conceito de cinema pop e foi imitado até dizer “chega”. E consagrou de vez o talento de Quentin Tarantino. Com ou sem Oscar de Melhor Diretor, ele é “o cara”.

A direção é de Byron Howard (Bolt) e Nathan Greno.

Veja o trailer aqui.

Outros novos pôsteres que merecem a nossa atenção:

Resident Evil 4: O Recomeço
Ei, aquele ali no caco de vidro não é o Michael Scofield?

A Lenda dos Guardiões

O lindo pôster de Never Let Me Go.

Você é fã de O Predador? Falo do original de 1987. Aquele filme em que o governador da Califórnia sai no tapa com o alienígena caçador de crânios na floresta, que já passou dublado mil vezes na TV. Você adora essa ficção científica dos anos 80? Então Predadores (Predators, 2010) é o filme que você estava esperando, meu amigo. Esqueça Predador 2 e as comédias involuntárias e sem graça conhecidas como Aliens Vs. Predador. Este é o filme que deveria ter continuado a aventura estrelada por Arnold Schwarzenegger.

Bom, não é exatamente uma sequência que ignore Predador 2, com Danny Glover, que é legal, porém jamais chega aos pés do primeiro filme, até porque a criatura já não era uma surpresa na trama, além de outros quinhentos. Mas Predadores, dirigido por Nimród Antal (Temos Vagas) é feito de fã para fã. Ou melhor, de fãs para fãs, afinal o trash Robert Rodriguez, deve ter assistido a O Predador mais vezes do que eu mesmo fui capaz. Antal dirige e Rodriguez produz, mas durante as filmagens só se falou no nome do diretor de A Balada do Pistoleiro e Pequenos Espiões como grande admirador de O Predador e seu sonho de recolocar a série nos eixos após tanta pataquada permitida pelo estúdio que lucrou bastante dizendo o nome do guerreiro estelar em vão.

Enfim, Predadores homenageia o filme original dirigido por John McTiernan – que após O Predador fez Duro de Matar, A Caçada ao Outubro Vermelho e mais nada vale a pena ser mencionado em sua obra. A intenção de Robert Rodriguez foi homenagear um de seus filmes favoritos e, claro, o tom macho dos clássicos de ação da década de 80, levando em conta as técnicas da velha escola de Hollywood, quando todos ainda davam risada a respeito da ideia do computador ser capaz de tirar o sono dos atores em um futuro próximo. Exceto por uma ou outra cena com CGI, Predadores parece um típico filme de ação e ficção científica do Domingo Maior, com todos os bons e maus ingredientes, não necessariamente nessa ordem incluindo excesso de tiros, explosões, correria e frases curtas de efeito duradouro e perigoso na cabeça de um nerd que cresceu naquela época.

Predadores até começa muito bem. Não vou contar o início da trama aqui, mas o suspense, a história - Como? Onde? Quando? Por que? -, tudo é construído de forma eficiente para capturar a atenção do espectador com uma narrativa conduzida com extrema paciência, sem pressa para pular para as cenas de ação. Ou seja, como era nos anos 80, quando o público em geral gostava de pensar um pouquinho mais.

Tudo vai bem até os 20, 30 minutos iniciais, ou até o primeiro Predador aparecer na tela. É irônico, mas deste momento em diante, o filme perde sua identidade e confunde a homenagem com falta de criatividade, quase virando uma cópia safada do original. Sem falar nas bolas foras do roteiro que começam a despencar de maneira ridícula: Onde vão parar os cachorros dos predadores? E o que faz Laurence Fishburne neste filme? Como podemos engolir o franzino Adrien Brody encarando o Predador com mais fôlego que Arnold Schwarzenegger versão 80’s?

Ok, o fã vai se divertir ao bater os olhos e reconhecer referências diretas a cenas do filme de John McTiernan, como as armadilhas para capturar a criatura; os heróis (ou caças?) pulando da cachoeira; a menção que a personagem de Alicia Braga faz a Schwarzenegger, entre outras coisas. Há até um cuidado especial com a parte musical, com uma adaptação do compositor John Debney para a ótima trilha sonora original de Alan Silvestri, além dos créditos finais ao som de Long Tall Sally, de Little Richard, canção que toca na cena com todo o pelotão de Schwarza ainda dentro do helicóptero, mas pronto para saltar na selva, no início do filme de 87.

Mediano, feio e barato, Predadores só deve ser degustado por fãs. A dica para o outro perfil de cinéfilo é ficar com o velho DVD (ou Blu-ray) do primeiro O Predador, que sempre será lembrado, enquanto o filme de Robert Rodriguez e Nimród Antal tem tudo para cair em desuso em pouquíssimo tempo.

Predadores (Predators, 2010)
Direção: Nimród Antal
Roteiro: Alex Litvak, Michael Finch, Jim Thomas e John Thomas
Elenco: Adrien Brody, Alice Braga, Topher Grace, Oleg Taktarov, Walton Goggins, Louis Ozawa Changchien, Laurence Fishburne e Danny Trejo

Quem viu o desenho da Hanna-Barbera na época de seu lançamento – ou até mesmo alguns anos depois -, já está bem crescidinho. As crianças de hoje regadas a Clone Wars, Ben 10 e Bakugan talvez não embarquem no humor do urso que tocava o terror nos piqueniques. Aliás, o humor nem deve ser o mesmo, afinal os tempos são outros. Os pais saudosistas levarão os filhos ao cinema, o filme deve faturar bem na temporada de férias yada yada yada e, mesmo assim, tem tudo para ser esquecido em um par de anos. Claro, a não ser que Hollywood faça imediatamente Zé Colmeia 2. Como fez com Scooby-Doo.

Enfim, não critiquem meu pessimismo. Se estou assim é por culpa de Hollywood, lançando bomba atrás de bomba. No fundo, espero queimar minha língua e ver Zé Colmeia honrando o desenho original, merecendo seu provável sucesso de bilheteria e conquistando uma nova geração.

Dan Aykroyd faz a voz de Zé Colmeia. Justin Timberlake dubla Catatau. A direção é de Eric Brevig, de Viagem ao Centro da Terra. E o filme chega ao Brasil no dia 21 de janeiro de 2011. Ah, em 3D. Óbvio.

ATUALIZAÇÃO

Veja o teaser trailer abaixo:

Tom Cruise novamente no papel de um agente secreto? E mais uma vez em cenas de ação que fariam James Bond ou Jason Bourne morrer de inveja? Calma, isso não é Missão Impossível 4. Cruise se repete em Encontro Explosivo (Knight & Day, 2010), mas o foco pretendido pelo diretor James Mangold não é tão ambicioso quanto o da famosa franquia baseada na saudosa série de TV. A intenção do cineasta está mais para uma despretensiosa comédia romântica de ação do que para uma vertiginosa e complicada trama de espionagem, mas cheia de cenas de luta, perseguição, tiros e explosões.

Embora Encontro Explosivo tenha tudo isso, o que interessa é a química (perfeita, diga-se de passagem) entre o casal de protagonistas Tom Cruise e Cameron Diaz, que repetem a parceria de Vanilla Sky. Só que o astro lembra o herói charmoso clássico de um Cary Grant ou um James Stewart – mesmo que distribuindo sopapos como um Jason Bourne dos dias de hoje –, enquanto a estrela parece uma Kathleen Turner escandalosa e engraçada, de Tudo Por Uma Esmeralda ou A Joia do Nilo. Acredite: essa mistureba de estilos dá certo. E o casal encanta.

Aliás, o perfil da donzela loira (e não muito inteligente) em perigo – famoso desde os tempos de Judy Holliday – foi reciclado de forma magistral por Cameron Diaz, que está ótima. Não me divirto tanto com essa personagem clichê desde a Kathleen Turner citada acima e, principalmente, a Kate Capshaw de Indiana Jones e o Templo da Perdição. Tom Cruise, embora seja mais uma vez um agente, não lembra em nada o Ethan Hunt de Missão Impossível – pelos motivos comentados no parágrafo anterior. E os méritos são todos do ator, injustamente alvo de críticas constantes por seu talento. Seu agente Roy Miller cativa por ser romântico e totalmente sereno nas reações que tem a respeito de sua rotina tomada por uma adrenalina absurda que só pode existir na tela do cinema e jamais no mundo real. E é exatamente essa a proposta de Encontro Explosivo: diversão.

Essa serenidade de Roy Miller passa involuntariamente para June Havens, a personagem de Cameron Diaz. É um perfil que cai bem em um filme cheio de ação mirabolante graças ao talento narrativo do diretor James Mangold, que sabe como poucos se aventurar por diversos gêneros sem perder o controle. Este é o cineasta mais eclético da Hollywood atual (Garota Interrompida, Copland, Johnny & June, Os Indomáveis). Mangold visita universos distintos, mas sempre privilegia a humanidade de seus protagonistas, fazendo questão que a plateia se identifique com personagens de carne e osso, mesmo vivendo situações fora do comum. É o caso da música fantástica de Johnny Cash deslumbrando o personagem e a plateia, tendo em June Carter o pé de apoio na realidade. É o mesmo caso de Roy Miller e June Havens lidando naturalmente com os perigos de Encontro Explosivo.

Por mais que Hollywood se interesse por sucessos fáceis, Tom Cruise, Cameron Diaz e James Mangold entregam um divertido exemplar de ação inverossímil à moda antiga. Mais do que isso, mostram que é um tipo de filme que ainda merece atenção quando feito pelas pessoas certas. Tem muito “cinema” neste filme. Missão Impossível 4? Pra quê? Encontro Explosivo prova que Hollywood não precisa se repetir. Precisa apenas respeitar suas origens e se reciclar.

Encontro Explosivo (Knight and Day, 2010)
Direção: James Mangold
Roteiro: Patrick O’ Neill
Elenco: Tom Cruise, Cameron Diaz, Peter Sarsgaard, Marc Blucas, Jordi Mollà, Viola Davis, Paul Dano e Maggie Grace

Cara e voz de malvado, ele tem. Mas será que precisa virar clichê? Mark Strong é o mais novo vilão predileto do cinemão americano. Não foi “flor que se cheire” em RocknRolla, de Guy Ritchie, Stardust, de Matthew Vaughan, e Rede de Mentiras, de Ridley Scott. Mas, somente neste ano, vimos o ator inglês de 47 anos como a maior ameaça de Sherlock Holmes, de Guy Ritchie, Kick-Ass, de Matthew Vaughan, e Robin Hood, de Ridley Scott. Sim, você leu certo: Mark Strong deve a fama aos cineastas Guy Ritchie, Matthew Vaughan e Ridley Scott. É um ótimo ator que agarrou sua chance e merece toda a atenção de crítica, público, produtores e diretores. Mas, será que não está na hora de tentar algo diferente?

Lorde Blackwood, o vilão de Sherlock Holmes

Godfrey, vilão em Robin Hood

Frank D’Amico, pai do McLovin de Kick-Ass, e… vilão

E em breve, Mark Strong estará nos novos filmes de Peter Weir (The Way Back) e Kevin Macdonald (The Eagle). Não sabemos ainda se ele será o vilão nessas duas produções. Mas, abaixo, veja quem será o bad guy de Lanterna Verde:

ISSO! Ele! MARK STRONG, como Sinestro!

Aliás, veja os outros três novos pôsteres de personagens de Lanterna Verde, filme que estreia em 17 de junho de 2011:

Ryan Reynolds, o verdão…

…A gatíssima Blake Lively como Carol Ferris…

…E o blasé Peter Sarsgaard como Hector Hammond.

Cowboys & Aliens é o novo filme do (bom) diretor Jon Favreau (Zathura, Homem de Ferro), que na humilde opinião deste blogueiro tentará se recuperar do desastre chamado Homem de Ferro 2. Trata-se da adaptação dos quadrinhos de Fred Van Lente e Ian Richardson sobre o embate entre ícones das últimas mitologias ianques com roteiro adaptado por Alex Kurtzman, Roberto Orci (homens por trás de Fringe, mas também de Transformers 1 e 2) e Damon “Lost” Lindelof. A primeira foto saiu hoje e traz o mocinho vivido por Daniel Craig com um bracelete estilo Ben 10 (Se você conhece a história original, por favor diga-me o que é isso e perdoe-me pela brincadeira infeliz).

Além do novo James Bond, o filme tem no elenco o Indiana Jones Harrison Ford e a bela Olivia Wilde, a Thirteen, de House. Destaque também para as presenças de Sam Rockwell, Paul Dano, Adam Beach, Noah Ringer, Clancy Brown e Keith Carradine. Embora Jon Favreau tenha a cara de pau de prometer um faroeste clássico meio Sergio Leone, meio John Ford (yeah, right…), o Hollywoodiano deposita um voto de confiança em Cowboys & Aliens, que estreia em 29 de julho de 2011.

Em Shrek, de 2001, os fãs de cultura pop conheceram um novo (e divertido) universo mitológico. Seus criadores reciclaram tudo o que deu certo até aqui nos contos de fadas e outras histórias fantásticas para apresentar um herói que não tinha nada de clássico. A proposta foi mostrar a quem não tem rostos e corpos perfeitos – ou muita grana no bolso – que é possível ser “feliz para sempre” sem abdicar dos sonhos. Shrek não é um príncipe encantado. É um ogro verde, gordo, feio e fedido, que conquistou o coração da princesa e do mundo inteiro.

Como a intenção era explorar o avesso da perfeição, Shrek ainda tirou sarro de clássicos do cinema e da literatura, além de sucessos recentes das telas. Já a continuação Shrek 2, de 2004, foi um complemento muito bem feito. Fechou um ciclo com uma aventura que não precisava mais perder tempo apresentando personagens.

Mas como estamos falando de Hollywood, ninguém quer perder a chance de lucrar mais e mais com um produto reconhecido pelo público. Veio Shrek Terceiro, de 2007, que escorregou e quebrou a cara por tentar colocar seus heróis numa aventura qualquer, sem graça, sem o humor afiado dos filmes anteriores, baseando-se apenas no carisma dos personagens. Shrek 2 não precisava de Shrek 3. Mas Shrek 3 não poderia (nem merecia) encerrar uma série tão marcante. Shrek 3 precisava de um Shrek 4. E então veio Shrek Para Sempre (Shrek Forever After, 2010), que segundo o próprio estúdio é o último da série.

Ainda bem. Não porque seja um episódio extraordinário, que feche a saga do ogro verde com chave de ouro. Pelo contrário, comete erros de transformar a série em um dramalhão – inspirado em fórmulas consagradas constantemente revisitadas por Hollywood, como A Felicidade Não Se Compra, mas ainda assim é um dramalhão que não se encaixa no humor inteligente dos dois primeiros filmes. Pelo menos, Shrek Para Sempre corrige o jiló que foi o filme anterior. Com ressalvas no entusiasmo, porque sozinho até que se sai bem. Em comparação a Shrek 1 e 2, perde de goleada.

Aqui, os roteiristas exploram o tema da realidade paralela. Em um filme original, pode funcionar. Mesmo que remeta diretamente a clássicos como o filmaço de Frank Capra. O problema é pegar uma série consagrada, com suas características particulares que conquistaram fãs há tempos e admitir a falta de criatividade apostando as fichas em um universo paralelo onde tudo pode acontecer. Assim fica fácil. Até eu.

Certo estava Andrew Adamson que dirigiu os dois primeiros Shrek e pulou fora para comandar As Crônicas de Nárnia: O Leão, A Feiticeira e o Guarda-Roupa. Pelo menos tentou algo novo. Shrek Para Sempre é como aquele “ex-jogador de futebol em atividade”. Não empolga os fãs nem tem nada de novo a oferecer. Está ali para satisfazer o próprio ego. Só ele não admite que passou do ponto e que deveria ter parado por cima. Entre outras coisas, poderíamos ter sido poupados de ver a Fiona como uma Fergie versão 50 anos.

Se você nunca assistiu a Shrek e vai começar por este filme, OK. Vá em frente. Mas se você é daqueles que acompanha a série desde 2001 não tem como gostar de Shrek Para Sempre. O filme tem o mérito de não ser tão fraco quanto Shrek Terceiro. Mas aí é pensar pequeno demais. Só espero que a DreamWorks, como prometido, termine a série com este episódio. Nada de “novos começos”, como Sexta-Feira 13. Obrigado, Shrek. Vire a página, bye bye. É vida que segue.

Shrek Para Sempre (Shrek Forever After, 2010)
Direção: Mike Mitchell
Roteiro: Josh Klausner e Darren Lemke
Com as vozes de Mike Myers, Eddie Murphy, Cameron Diaz, Antonio Banderas, Julie Andrews, John Cleese, Jon Hamm e Jane Lynch

Sério agora: As artes chamam a atenção, mas, até o momento, Sucker Punch só vem mostrando estilo e nenhum conteúdo. Só se sabe que o filme conta a história de uma garota conhecida como Babydoll (Emily Browning, a loirinha da primeira arte), que cria um mundo imaginário para fugir da realidade enquanto vive trancada em um hospício.

Sucker Punch estreia nos EUA no dia 25 de março de 2011. Abbie Cornish, Vanessa Hudgens, Jamie Chung e Jena Malone são as outras meninas dos pôsteres. O filme ainda conta com a presença de Carla Gugino, Jon Hamm e Scott Glenn.