GLADIADOR
(Gladiator, 2000)

UMA MENTE BRILHANTE
(A Beutiful Mind, 2001)

CHICAGO
(Chicago, 2002)

O SENHOR DOS ANÉIS: O RETORNO DO REI
(The Lord of the Rings: The Return of the King, 2003)

MENINA DE OURO
(Million Dollar Baby, 2004)

CRASH: NO LIMITE
(Crash, 2005)


OS INFILTRADOS
(The Departed, 2006)

ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ
(No Country For Old Men, 2007)

QUEM QUER SER UM MILIONÁRIO?
(Slumdog Millionaire, 2008)

GUERRA AO TERROR
(The Hurt Locker, 2009)

NOVOS PÔSTERES PARA VELHOS CONHECIDOS

BLU-RAY DE “STAR WARS” CHEGA EM 2011
Nerds, uni-vos! Hora de juntar dinheiro para o maior lançamento em Blu-Ray do ano que vem!

A ORIGEM CINÉFILA DESTE BLOGUEIRO
Acima de tudo, uma homenagem ao meu pai

EM BLU-RAY/DVD: “ZONA VERDE”
Juntos, Paul Greengrass e Matt Damon apanhariam feio de Kathryn Bigelow

PATRICIA NEAL (1926-2010)
Morre atriz vencedora do Oscar por “O Indomado”

SEAN CONNERY: 80 ANOS DE UM MITO
Feliz aniversário! E obrigado por James Bond, Malone e o Professor Henry Jones!

A MÚSICA DE HANS ZIMMER
A genialidade do compositor da trilha sonora de “A Origem”

LEONARDO DiCAPRIO CRESCEU
A evolução do astro de “A Origem”

O GRANDE TRUQUE DE CHRISTOPHER NOLAN
Perfil do diretor de “A Origem”

10 FILMES QUE QUEBRARAM A NOSSA CABEÇA
Além de “A Origem”, relembre alguns títulos que viraram nossas mentes do avesso

A ORIGEM
A mais complexa, intrigante e duradoura experiência cinematográfica do ano

STALLONE NO PLANETA DOS MACACOS
Apesar de tudo, o astro, diretor, produtor e roteirista de “Os Mercenários” ainda vai ganhar uma estátua no Brasil

OS 10 MELHORES FILMES COM SYLVESTER STALLONE
Ou os piores. Depende do seu gosto…

OS MERCENÁRIOS
O guilty pleasure do ano

DUAS APOSTAS PARA O OSCAR 2011
Fique de olho em “Black Swan”, de Darren Aronofsky, e “Fair Game”, de Doug Liman

MEU MALVADO FAVORITO
Animação veio para agradar crianças até uns sete anos de idade

O APRENDIZ DE FEITICEIRO
Harry Potter, durma sossegado. Você ainda é o melhor bruxo do cinema.

O FINAL SURPREENDENTE DE M. NIGHT SHYAMALAN
A queda do diretor de “O Sexto Sentido” e “O Último Mestre do Ar”

O ÚLTIMO MESTRE DO AR
Não é o desastre que a crítica americana alertou. Mas é ruim. Não há como fugir dessa opinião.

RELEMBRANDO O “KARATÊ KID” ORIGINAL
Mas a crítica do remake fica para setembro

CREPÚSCULO DOS DEUSES: 60 ANOS
Obra-prima de Billy Wilder estreou em 10 de agosto de 1950

OS VENCEDORES DO EMMY 2010
“Modern Family” e “Mad Men” são os grandes vencedores 62ª edição do maior prêmio da TV americana

"Somewhere", de Sofia Coppola

Chegou a hora de conhecer os primeiros prognósticos dos novos filmes de Darren Aronofsky (Black Swan), Sofia Coppola (Somewhere), François Ozon (Potiche), Tom Tykwer (Drei), Takashi Miike (13 Assassins) e Julian Schnabel (Miral). Começa hoje a 67ª edição do Festival de Veneza.

Veja a lista dos filmes que disputam o Leão de Ouro, que será entregue no dia 11 de setembro. Não sei quanto a você, mas tenho altas expectativas com Black Swan, que abre o festival, e Somewhere (foto). O grande Quentin Tarantino é o Presidente do Júri.

“Black Swan”, de Darren Aronofsky – Estados Unidos

“La pecora nera”, de Ascanio Celestini – Itália

“Somewhere”, de Sofia Coppola – Estados Unidos

“Happy few”, de Antony Cordier – França

“A Solidão dos Números Primos”, de Saverio Costanzo – Itália

“Ovsyanki”, de Alexei Fédortchenko – Rússia

“Promises written in water”, de Vincent Gallo – Estados Unidos

“Road to Nowhere”, de Monte Hellman – Estados Unidos

“Balada Triste de Trompeta”, de Alex de la Iglesia – Espanha/França

“Vénus noire”, de Abdellatif Kechiche – França

“Post Mortem”, de Pablo Larraín – Chile/México/Alemanha

“Barney’s Version”, de Richard J. Lewis – Canadá/Itália

“Noi credevamo”, de Mario Martone – Itália/França

“La passione”, de Carlo Mazzacurati – Itália

“13 Assassins”, de Takashi Miike – Japão/Grã-Bretanha

“Potiche”, de François Ozon – França

“Meek’s cutoff”, de Kelly Reichardt – Estados Unidos

“Miral”, de Julian Schnabel – Estados Unidos/França/Itália/Israel

“Noruwei no mori”, de Tran Anh Hung – Japão

“Attenberg”, de Athina Rachel Tsangari – Grécia

“Detective Dee and the mystery of Phantom Flame”, de Tsui Hark – China

“Drei”, de Tom Tykwer – Alemanha

“Essential killing”, de Jerzy Skolimowski – Polônia

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Após irritar o público ao explorar cada fio de cabelo de seu cinema de autor, com tudo aquilo que veio depois de O Sexto Sentido, o diretor M. Night Shyamalan resolveu se render ao cinemão com um filme que pelo menos agradasse ao seu ego gigantesco. A solução foi adaptar O Último Mestre do Ar (The Last Airbender, 2010), série animada do Nickelodeon que tem seus fãs pelo mundo. Fiel ou não ao desenho, o importante é registrar que esta crítica se refere somente ao filme. E, diferente do que pregou a crítica americana, ele não chega a ser um desastre de proporções bíblicas – do tamanho da onda que surge no fim do longa, ameaçando dar um caixote inesquecível em gregos e troianos –, mas é, sem sombra de dúvida, ruim.

Esta crítica também não é direcionada à intenção de Shyamalan procurar fazer algo diferente ou – como gostam de dizer as más línguas – “se vender”. Ele tem o direito de contar a história que bem entender.

Ao contrário também do que dizem, O Último Mestre do Ar não erra exatamente ao privilegiar a reflexão, o olhar intimista, quando talvez pudesse abraçar o espetáculo e jogar para a plateia a inevitável sensação de deslumbramento, como acontece na maioria dos filmes de fantasia. Não erra também na escolha do elenco, obviamente fraco, mas que cabe nesse tipo de história, em seu tempo e espaço. Aliás, como em parte de A Dama na Água, o elenco de O Último Mestre do Ar carrega no sotaque e é internacional demais para o público americano. Mas, na verdade, o problema do filme que ultrapassa todas as fronteiras deste mundo é um só: o roteiro. Algo que sempre contou a favor do cineasta.

Em O Último Mestre do Ar, há um excesso absurdo de informações jogadas na tela que não fazem o menor sentido para quem não conhece o desenho. Diferente de A Origem, um exemplo recente que demonstra como deve ser conduzida uma narrativa cheia de observações e explicações lançadas para situar o espectador na trama – lembrando que o filme de Christopher Nolan não veio de livros, séries ou games –, O Último Mestre do Ar, digamos, precisaria de cerca de três horas de duração para se comunicar de forma ideal com o público em geral. E não falo sobre a compreensão da trama, que é bem simples. Falo da necessidade de conexão emocional de cada personagem (e são muitos) com o público. A sensação que fica: Shyamalan fez um filme para os fãs do desenho. Para ele, não é preciso desenvolver personagens ou o universo em que se passa o filme, afinal os fãs estão lá para preencher em seus cérebros as lacunas deixadas pela trama. O restante da plateia que se vire. E aí fica muito fácil sair do cinema reclamando de O Último Mestre do Ar.

Fica fácil bater no gosto duvidoso dos cenários e figurinos, ou no design das criaturas, ou em cada gesto patético dos exércitos que desfilam pela tela. Fica fácil dizer que o elenco não sabe atuar e apontar vacilos nos efeitos visuais. Fica fácil até mesmo deixar escapar uma gargalhada involuntária dentro do cinema. Fica difícil, no entanto, notar (ou relembrar) como Shyamalan é um belo diretor. Repare como ele enquadra as cenas de luta, com foco na correria que acontece no segundo plano, dando mais profundidade assim ao conflito interior do protagonista na hora de mandar literalmente seus inimigos pelos ares.

Mas, calma, talvez M. Night Shyamalan tenha um plano a longo prazo, afinal O Último Mestre do Ar não termina. O pequeno herói do filme precisa dominar os quatro elementos: Ar, água, terra e fogo. Já nasce sabendo um e, no final, aprende outro. Ou seja, faltam dois, quer dizer: MAIS DOIS FILMES! Porém, será que O Último Mestre do Ar terá ao menos uma continuação? Basta lembrar que foi fracasso de público e, principalmente, crítica, que não o perdoa pela brincadeira feita em A Dama na Água, que de fato ridiculariza os profissionais do ramo na criação do personagem de Bob Balaban. É, caso não tenhamos O Último Mestre do Ar II e III, acho que até os fãs do desenho atacarão M. Night Shyamalan em um futuro muito próximo.

O Último Mestre do Ar (The Last Airbender, 2010)
Direção e roteiro: M. Night Shyamalan
Elenco: Noah Ringer, Dev Patel, Nicola Peltz, Jackson Rathbone, Shaun Toub, Aasif Mandvi e Cliff Curtis

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“I am big. It’s the pictures that got small.” – Norma Desmond (Gloria Swanson)

Norma Desmond (Gloria Swanson) foi uma grande atriz da era do cinema mudo. Quando Hollywood quebrou a barreira do som e os filmes mudaram para sempre, ela foi esquecida pelos estúdios. Dirigido por Billy Wilder, Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard, 1950) é o melhor filme da história sobre a era de ouro do cinema americano. Eu poderia dizer também que é o maior trabalho sobre quem faz Hollywood: atores, cineastas, roteiristas, produtores etc. Talvez seja o melhor filme de todos os tempos de Hollywood sobre Hollywood. Ou, melhor, sobre o cinema em geral.

Billy Wilder, uma unanimidade, fez de Crepúsculo dos Deuses sua maior obra-prima. Mas isso sou eu dizendo. É o diretor que viajou por diversos gêneros sem ser repetitivo, sempre contribuindo de forma qualitativa para a insdústria. Fazia dramas e comédias, sem perder a concentração ou o tom certo de um filme para outro. Assinou clássicos absolutos da comédia (Quanto Mais Quente Melhor , O Pecado Mora ao Lado), do drama (Crepúsculo dos Deuses) e até do suspense/noir (Pacto de Sangue). Se bem que Crepúsculo dos Deuses também é noir. Viu só como é difícil escolher? Bom, eu tenho meu Billy Wilder preferido. Qual é o seu?  Não é uma tarefa fácil, depende do estado de espírito de cada um, afinal o próprio cineasta defendia que a melhor forma de se ver uma comédia é quando estamos tristes e a maneira ideal para se aproveitar um drama é quando estamos extremamente felizes.

Só um gênio para começar um filme com a narração em off de um cadáver, que é ninguém mais, ninguém menos que o “mocinho” da história, o roteirista frustrado Joe Gillis (William Holden), que jaz na piscina de uma mansão, invadida pela polícia. Mas por que? E como? Billy Wilder volta no tempo para mostrar como o sujeito foi parar ali. 49 anos depois, o diretor Sam Mendes utilizou o mesmo recurso para narrar a formidável trama de Beleza Americana. Porém, na abertura de Crepúsculo dos Deuses, Wilder antecipa alguns dos principais significados do filme, que é o sistema – feito para seres 100% racionais –  engolindo, sem dó nem piedade, os sonhadores e românticos. Hollywood, como qualquer outro ramo profissional, não quer saber se um trabalhador rendeu ótimos frutos para uma empresa no passado. O que interessa para os chefões engravatados é manter o dinheiro circulando, de preferência com mão de obra nova e mais barata. No cinema, por exemplo, veja o tratamento que dão a nomes como Dustin Hoffman e Al Pacino. O próprio público tem culpa no cartório, afinal adora fazer piadas e pisar nos craques do passado, como se os ídolos tivessem prazo de validade. Depois não adianta reclamar de Hollywood, que dá o que nós queremos. No fundo, Crepúsculo dos Deuses é sobre esquecimento e ingratidão.

No caso do roteirista desempregado Joe Gillis, ele está fugindo de seus credores, pois não tem um centavo no bolso furado. O coitado vai parar na mansão da ex-estrela do cinema mudo Norma Desmond, que vive sozinha, com exceção da companhia do fiel mordomo Max Von Mayerling (interpretado pelo cineasta Erich Von Stroheim). Lá, ele aceita criar um roteiro que seja capaz de fazer Norma chamar a atenção dos estúdios, o que marcaria seu retorno às telas. Aos poucos, Joe vai entendendo a mente perturbada e perdida da atriz, que por sua vez não tem a menor consciência de seu lugar no mundo e, muito menos, da decadência de sua carreira. E da mudança do próprio sistema. Quando tenta escapar das garras de Norma Desmond, o pobre Joe descobre que está numa prisão física e emocional sem saída, tornando-se um novo Max Von Mayerling, antes um diretor do cinema mudo, que havia trabalhado com Norma em seu auge, agora um mordomo que há tempos aceitou sua condição somente para ficar ao lado de sua amada insana.

“You see, this is my life! It always will be! Nothing else! Just us, the cameras, and those wonderful people out there in the dark! All right, Mr. DeMille, I’m ready for my close-up.” – Norma Desmond (Gloria Swanson)

Curioso notar como Billy Wilder fez questão de aproximar seu filme da realidade – embora Norma Desmond sempre esteja com um ou dois pés no mundo das ilusões – ao escalar para o elenco Gloria Swanson e Erich Von Stroheim, atriz e diretor que viveram a época do cinema mudo (e trabalharam juntos). Em Crepúsculo dos Deuses, inclusive, Wilder cita nomes reais como Cecil B. De Mille, Alan Ladd e Darryl Zanuck. O próprio De Mille aparece no filme interpretando ele mesmo.

Para mim, este é o melhor roteiro já escrito para o cinema. Assinado por Charles Brackett, Billy Wilder e D.M. Marshman, Jr., Crepúsculo dos Deuses tem diálogos disparados como tiros de metralhadora. Não é somente isso, claro, afinal é uma história cheia de camadas misteriosas, embora eu privilegie temas como a decadência dos ídolos e a loucura de Hollywood, assim como comentei acima. E já que entramos nesse assunto, de certa forma, A Malvada, o segundo melhor roteiro de todos os tempos, completa Crepúsculo dos Deuses, e vice-versa. Mas diferente do clássico de Billy Wilder, o filmaço de Joseph L. Mankiewicz fala de teatro e acompanha uma novata tirando à força a glória de uma atriz veterana dos palcos. Não é culpa da indústria, mas de uma pessoa… malvada.

Os dois filmes concorreram ao Oscar principal, em 1951, com vitória de A Malvada. Gloria Swanson, entre o exagero, o caricato e a sutileza dramática estampada no olhar em alguns raros momentos de silêncio de sua personagem, concorreu ao Oscar de Melhor Atriz com Bette Davis, de A Malvada. As duas entregaram, provavelmente, as maiores atuações femininas da história. Mas perderam a estatueta dourada – vejam só – para Judy Garland, por Nascida Ontem, que sem dúvida é uma gracinha, porém jamais chega aos pés de Gloria e Bette em matéria de talento.

De fato é difícil escolher um favorito entre Crepúsculo dos Deuses e A Malvada, ou entre Gloria Swanson e Bette Davis, ou Norma Desmond e Margo, mas Billy Wilder certamente merecia o Oscar de Melhor Diretor, que foi parar nas mãos de Joseph L. Mankiewicz. Entre todas as cenas de Crepúsculo dos Deuses, destaco apenas uma, que justificaria a estatueta dourada: o final em que Norma Desmond, no auge de sua demência, desfila entre jornalistas e policiais praticamente estáticos, como se estivessem em câmera lenta, observando-a descer as escadas de sua mansão pronta para o close-up de um Cecil B. De Mille imaginário. É um momento mágico do cinema, talvez o melhor final de todos, que traduz, inclusive nas palavras desferidas por Norma, o que são os filmes. Para o bem ou para o mal.

Crepúsculo dos Deuses (Sunset Boulevard, 1950)
Direção: Billy Wilder
Roteiro: Charles Brackett, Billy Wilder e D.M. Marshman, Jr.
Elenco: Gloria Swanson, William Holden, Erich Von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Lloyd Gough e Jack Webb

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Jane Lynch, melhor atriz coadjuvante em série de comédia, por "Glee"

Abaixo, os principais vencedores da 62ª edição do Emmy Awards. Kyra Sedgwick, Jim Parsons, Eric Stonestreet e Aaron Paul estão entre os novatos com estatueta, enquanto o grande Bryan Cranston é tricampeão. Modern Family é a melhor série de comédia, enquanto Mad Men mantém o título em drama.

MELHOR SÉRIE DE COMÉDIA
“Modern Family” (ABC)

MELHOR ATOR EM SÉRIE DE COMÉDIA
Jim Parsons (”The Big Bang Theory”)

MELHOR ATRIZ EM SÉRIE DE COMÉDIA
Edie Falco (”Nurse Jackie”)

MELHOR ATOR COADJUVANTE EM SÉRIE DE COMÉDIA
Eric Stonestreet (”Modern Family”)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM SÉRIE DE COMÉDIA
Jane Lynch (”Glee”)

MELHOR SÉRIE DRAMÁTICA
“Mad Men” (AMC)

MELHOR ATOR EM SÉRIE DRAMÁTICA
Bryan Cranston (”Breaking Bad”)

MELHOR ATRIZ EM SÉRIE DRAMÁTICA
Kyra Sedgwick (”The Closer”)

MELHOR ATOR COADJUVANTE EM SÉRIE DRAMÁTICA
Aaron Paul (”Breaking Bad”)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM SÉRIE DRAMÁTICA
Archie Panjabi (”The Good Wife”)

MELHOR FILME FEITO PARA TV
“Temple Grandin”(HBO)

MELHOR MINISSÉRIE
“The Pacific” (HBO)

MELHOR ATRIZ EM MINISSÉRIE OU FILME FEITO PARA TV
Claire Danes (”Temple Grandin”)

MELHOR ATOR COADJUVANTE EM MINISSÉRIE OU FILME FEITO PARA TV
David Strathairn (”Temple Grandin”)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE EM MINISSÉRIE OU FILME FEITO PARA TV
Julia Ormond (”Temple Grandin”)

MELHOR ATOR EM MINISSÉRIE OU FILME FEITO PARA TV
Al Pacino (”You Don’t Know Jack”)

MELHOR REALITY SHOW
“Top Chef” (Bravo)

MELHOR PROGRAMA DE VARIEDADES
“The Daily Show With Jon Stewart” (Comedy Central)

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Penso que filmes que se agarram demais aos costumes e cacoetes de cada época fatalmente envelhecem em pouquíssimo tempo. Sabe como é? Pode acontecer com Crash, de Paul Haggis, por exemplo. Ou não. Mas não me refiro apenas ao tema e à época, falo do olhar de Hollywood para a situação que o país vive, assim como a sociedade e, reparando bem, até mesmo o jeito como a maioria dos filmes são rodados, fotografados e montados. Mas, 26 anos depois,  é impressionante que isso não aconteça com filmes como Karatê Kid. No início, claro, a estranheza vem à tona com as roupas e os cabelos oitentistas demais. Incomoda, porém, em 15 ou 20 minutos, você esquece que Karatê Kid foi feito em 1984. E por que esquecemos? Pelo simples motivo que entramos de cabeça na história, coisa rara hoje em dia, que nem o 3-D é capaz.

Pouco importa a época, as músicas, as roupas e os cabelos quando estamos diante de uma trama tão forte sobre um jovem e um homem que preenchem as lacunas deixadas respectivamente por suas experiências fracassadas com pai e filho. Sim, Karatê Kid é sobre a honra, um clássico do bullying, Daniel Larusso (Ralph Macchio) apanha de todas as maneiras possíveis, cai de cara na areia e é arrancado de sua fantasia ridícula de chuveiro para ser massacrado pelos garotos idiotas da escola. Encontra inesperadamente no zelador de seu novo condomínio, o Sr. Miyagi (Noriyuki ‘Pat’ Morita), um mestre do karatê, um verdadeiro jedi, que irá treiná-lo nesta arte que ele diz “saber para não precisar lutar”. Mas Daniel San, como passa a ser chamado por Miyagi, quer dar o troco nos garotos. Miyagi, no entanto, pede para que a revanche aconteça em poucos meses num torneio de karatê. Você conhece a história.

“Daniel San, karatê AQUI (bate na cabeça). Karatê AQUI (bate no coração). Karatê NUNCA aqui (aponta para o cinto).” – Sr. Miyagi

Mas Karatê Kid não é sobre a consagração de Daniel San na porrada. É, acima de tudo, sobre o vazio que Miyagi sente devido à perda do filho, vendo em Daniel uma segunda chance. E o mesmo para o rapaz, que tem no velhinho a figura do pai, que jamais é mencionado no primeiro filme da série. É o que deixa Karatê Kid eterno. Não é o único filme na face da Terra a falar disso, mas certamente o torna especial por não ser evidente na exibição desses valores.

Aliás, lembra o que eu disse ali em cima sobre o filme envelhecer? Bom, no final, até que Karatê Kid admite sua idade avançada. Miyagi não quer que Daniel use o karatê para arrumar brigas e fazer propaganda da violência. Perder ou ganhar, não importa. Miyagi leva o conceito de paz interior e toda a beleza da mentalidade oriental para o projeto de americano chamado Daniel Larusso. Mas, no fim, não adianta. O público, em plena Era Ronald Reagan, queria ver o mocinho se vingando de seus algozes, não deixando barato, chutando-lhe o traseiro e saindo com o troféu. Mas penso o seguinte: Nos minutos finais de Karatê Kid, Miyagi aceita o pedido de Daniel, apesar de ter ensinado a ele a verdadeira natureza da arte marcial, porque o encara como um filho, deixando-o (o “pai”) de coração mole. Mesmo que o garoto pense errado, para o Sr. Miyagi, ele está no caminho certo e, um dia, vai aprender. Por isso, o filme termina com a imagem congelada do sorriso de Miyagi, observando ao fundo toda a euforia exagerada dos americanos.

A atuação carismática e emocionante de Pat Morita lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante – perdeu a estatueta para Haing S. Ngor, de Os Gritos do Silêncio. Ralph Macchio, que antes de Karatê Kid havia sido um dos “meninos de ouro” de Francis Ford Coppola em Vidas Sem Rumo, desapareceu do cenário hollywoodiano. Mas neste filme, ele foi a escolha perfeita para viver o eterno Daniel San. Magro, com jeito de menino frágil, Daniel ganha aos poucos a força interior que Miyagi lhe ensina. É só reparar em seu olhar na famosa cena em que desfere o golpe fatal que decide a luta no clímax do filme.

O diretor John G. Avildsen não está entre os grandes do cinema. Mas em seu currículo, tem Rocky – Um Lutador, que lhe deu o Oscar de Melhor Diretor, e Karatê Kid. Muita gente gosta também de seu O Poder de um Jovem, filme de 1992 com Stephen Dorff e Morgan Freeman, que tem muito de seus dois maiores sucessos.

Curioso notar que Rocky I termina com a valorização do amor, dos conceitos básicos que realmente valem a pena na vida. Mas na cabeça de Avildsen, Rocky I é sério. Já Karatê Kid é voltado para os jovens, então seu herói precisava estimular o público, saindo vitorioso. E, detalhe, Rocky não se passava na Era Reagan, porque, anos depois, até Sylvester Stallone, protagonista e autor do roteiro, rendeu-se ao espírito americano da época, criando um símbolo: Rambo.

Esqueça Karatê Kid II e III, também de John G. Avildsen, novamente com Ralph Macchio e Pat Morita . Fique com o original, até porque o final do filme diz tudo: Miyagi ensinou o que Daniel precisava saber para encarar a vida de frente. Com o ciclo fechado, as continuações rodam, rodam e caem no mesmo lugar. O que dizer então de um remake?

Karatê Kid – A Hora da Verdade (The Karate Kid, 1984)
Direção: John G. Avildsen
Roteiro: Robert Mark Kamen
Elenco: Ralph Macchio, Noriyuki ‘Pat’ Morita, Elisabeth Shue, Martin Kove, Randee Heller e  William Zabka

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