No começo de J. Edgar (2011), o lendário diretor do FBI narra sua biografia, quando é questionado sobre o que ele mais ama na vida. Seria o Bureau? O poder? Sua mãe, com quem morou até a morte dela? Ou seria o colega de trabalho Clyde Tolson?

Na visão do diretor Clint Eastwood, todos os amores de John Edgar Hoover  também o levaram a uma morte lenta e dolorosa. O mais interessante na abordagem do cineasta é fazer de seu filme uma biografia da América sob o ponto de vista de Hoover. Vemos apenas o que ele vê – ponto também para o roteiro de Dustin Lance Black (Milk).

O protagonista se baseia no que viu de mais importante nos 48 anos que ficou à frente do FBI para contar o seu lado da história americana de preconceitos, desigualdades e violência como trampolins para se alcançar o poder absoluto. Para o bem ou para o mal.

Guiado por seus próprios medos, Hoover oscila entre o patriota acima de todas as coisas e o sujeito de duas caras que joga com seus superiores para ficar no topo. Ele é o reflexo de uma nação construída com ódio, indiferença e sangue. O Hoover de Clint é o sonho americano convertido numa inevitável tragédia humana.

Com bem costuradas idas e vindas no tempo, o diretor situa o espectador na rotina do personagem interpretado brilhantemente por Leonardo DiCaprio, que compõe um homem notavelmente poderoso, mas extremamente infeliz. Um homem que teve tudo e nada ao mesmo tempo. Sufocado por seu status, pelo peso que ele mesmo colocou em suas costas.

A direção de Clint alterna olhares elegantes e contundentes, enquanto observa a importância de Hoover, assim como seus exageros e escorregões no comando do FBI, paralelamente à insconsciente abdicação de seus desejos como ser humano. Como sua homossexualidade reprimida, que o motiva a reeditar a sua saga, pelo menos a que ficará registrada eternamente na História. Ou seja, nunca acredite em tudo aquilo que você lê. É como se o diretor dissesse: “É preciso questionar fatos históricos e seus mitos, meninos”.

Tudo bem que nós sabemos que este não é um dos melhores filmes de Clint Eastwood. Mas seus feitos sempre valem mais que qualquer bobagem que esteja passando na sala de cinema ao lado. Por exemplo, J. Edgar tem duas cenas magníficas. A do beijo libertador, arrancado à força, mas exalando paixão – a reação de Leonardo DiCaprio é sublime ao sussurrar seu verdadeiro sentimento. Há também a cena em que seu personagem se olha no espelho com o vestido da recém-falecida mãe (Judi Dench). Não temos ali um travesti, mas visivelmente o reflexo de todo o amor de Hoover pela mãe.

É verdade que a maquiagem pesada, como recurso para envelhecer os personagens, assusta no início do filme. Mas logo nos acostumamos. Porque é fácil embarcar numa história contada por quem domina o ofício. Clint não erra. Um cineasta simples, que sempre diz muito. Alguém que já chegou a dizer que “Para ser um bom diretor basta ter um bom roteiro e um bom montador. Porque é preciso ser muito burro pra estragar tudo”.

J. Edgar (J. Edgar, 2011)
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Dustin Lance Black
Elenco: Leonardo DiCaprio, Armie Hammer, Naomi Watts, Judi Dench, Jeffrey Donovan, Damon Herriman, Ken Howard, Stephen Root, Josh Lucas, Dermot Mulroney e Ed Westwick

Você já deve ter lido ou escutado pensamentos como “A morte não é o fim, mas um novo começo”. Acredito que a maioria interprete isso como um comentário otimista sobre o que acontece com aqueles que partiram, um devaneio sobre a vida após a morte. Mas para Clint Eastwood, em Além da Vida (Hereafter, 2010), o pensamento está direcionado àqueles que ainda estão vivos, mas que acabaram de perder um ente querido. Para o cineasta, este “novo começo” é aqui e agora. E é uma dica estimulante, até porque muitos que passam por isso se entregam a um natural e compreensível período de sofrimento e dor.

Stanley Kubrick disse certa vez que filmes de terror são otimistas, afinal comprovam que há vida após a morte. O longa de Clint Eastwood está longe de se encaixar no gênero, mas mantém essa aura otimista. Por mais que flerte com o sobrenatural, ele está interessado nos vivos. Mas sua habilidade como contador de histórias é inegável ao ponto que consegue manter interessado tanto o espectador cético quanto os que acreditam no Céu e no Inferno.

Clint olha para três situações diferentes, guiadas por Marie LeLay (Cécile De France), uma jornalista francesa que escapa da morte durante o massacre do tsunami de 2004, que não consegue se desprender de tal experiência traumática; além do americano George Lonegan (Matt Damon), um médium que acredita ter uma maldição e não um dom, e o menino inglês Marcus (Frankie McLaren e George McLaren), que perde seu irmão gêmeo – e único companheiro – em um acidente estúpido.

Tanto o tsunami quanto a tragédia envolvendo o menino são fatalidades que acontecem sem aviso prévio em nossas vidas. Estamos tão vivos, quando somos jovens, que esquecemos que podemos morrer a qualquer segundo. E escapar da morte é uma experiência que costuma deixar feridas que jamais cicatrizam. É o que acontece com Marie e Marcus. No caso de George, ele se recusa a ganhar dinheiro com seus “poderes”, porque passou tanto tempo fazendo isso, em contato com o mundo dos mortos, que esqueceu o que é estar vivo. Numa cena fantástica, ao lado de uma nova amiga, Melanie (Bryce Dallas Howard), que pode levá-lo a viver um relacionamento normal após muito tempo, George degusta diversos sabores durante uma aula de culinária com os olhos vendados. Mesmo sem ver o que está provando, ele vivencia sensações extraordinárias com a força do paladar. E tenta fazer com que Melanie sinta o mesmo. De certa forma, há um certo erotismo nesta cena – Clint ilustra sensações que comprovam que estamos vivos.

O filme tem outras três sequências soberbas e o destaque vai para a assustadora tsunami. A sensação de horror, desespero, a grandiosidade da situação, com a morte chegando para roubar a nossa vida, toda a sequência destroi qualquer filme da série Premonição. E é melhor que o 2012 de Roland Emmerich inteiro. Há também a cena do metrô, protagonizado pelo garoto, que é de arrepiar, você vai ver. São duas sequências que não deixam dúvidas de que Clint Eastwood sabe dirigir qualquer coisa. É um cineasta que acredita no cinema como uma viagem ao lado de lá da tela. Mas a melhor das cenas de Além da Vida não tem sustos nem efeitos visuais e mostra o quanto Clint está focado na história e em seus atores – e o quanto roteiro e elenco são importantes na realização de um filme. É simples: George finalmente encontra Marcus, que quer se comunicar com o irmão falecido. Ao perder contato com a alma do menino, George vê nos olhos de Marcus a decepção. Imediatamente, ele inventa uma história para o garoto, para que este encontre a paz em vida. É tocante como Clint arranca essa emoção da sutileza. Um gesto que aproxima os dois personagens da vida. Mais tarde, você vai ver, o menino retribui o carinho que resulta numa cena final que beira o sublime.

Mesmo assim, Além da Vida está longe da perfeição. Um filme não se sustenta somente com cenas muito bem dirigidas. É o roteiro de Peter Morgan (A Rainha, Frost/Nixon, O Último Rei da Escócia) que atrapalha, com problemas evidentes no desenvolvimento das situações e até mesmo nos diálogos pobres fora do segmento conduzido por Matt Damon. Apoiado em clichês, o politizado roteirista, inclusive, admitiu não acreditar na vida após a morte. Talvez não tenha se inspirado fora de seu habitat, o que é compreensível.  Mas faz o filme perder pontos.

Também acho que Clint não acredite no além da vida. Mas, como diretor, ele se esforça para conduzir as três histórias até seus inevitáveis encontros. E eles acontecem de forma plausível, suave, sem exageros. Mas até chegar lá, fica difícil conduzir a trama de Marie exigindo total atenção do público. Somente a cena do tsunami vale essa passagem do filme. A trama do menino é menos desinteressante que a da jornalista francesa, mas não tem a força da situação vivida pelo personagem de Matt Damon, que está ótimo.

Bravamente, Clint faz o que pode para segurar o filme, que, no fim, parece até uma produção europeia no que diz respeito ao ritmo. Mesmo com a falta de paixão no texto preguiçoso de Peter Morgan, o diretor acaba escrevendo certo por linhas tortas. Afinal, Clint não erra.

(Otavio Almeida)

Além da Vida (Hereafter, 2010)
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Peter Morgan
Elenco: Matt Damon, Cécile de France, Bryce Dallas Howard, Frankie McLaren e George McLaren

Ao analisar o pensamento “triste do povo que precisa de heróis”, de Bertold Brecht, você precisa entender o referencial para julgar se o ditado é certo ou errado. No caso do estado de oposição entre brancos e negros na África do Sul, quando Nelson Mandela deixou a prisão em 1990, o país realmente precisava de heróis ou mitos, e que sua história fosse reescrita por feitos extraordinários de grandes homens, capazes de darem ao povo a esperança e a força necessárias para levantar da cama todos os dias. Que ninguém pense que Invictus (Invictus, 2009) é a cinebiografia de Nelson Mandela. Trata-se da visão de mundo do Clint Eastwood da Era Obama, que continua o grande diretor-autor que sempre tem algo a dizer, mas que cultiva a esperança na humanidade desde que realizou A Troca, em plena mudança de governo nos EUA.

E falar desta parte da vida de Nelson Mandela inspirou Clint Eastwood a seguir em frente com o cinema que gosta de fazer. Menos amargo, é verdade, dos tempos de Os Imperdoáveis, Sobre Meninos e Lobos e Menina de Ouro. Mais otimista, como em seus últimos filmes (A Troca e Gran Torino). Mais uma vez, pensando na América moderna, mesmo que esteja usando outro território (a África do Sul). Mais uma vez falando de intolerância racial e da relação problemática entre pais e filhos, que jamais se reconciliam, em um mundo dominado pela raiva e a violência. Todos esses elementos estão nos filmes de Clint Eastwood. Agora, ele só mostra mais otimismo.

Aliás, é curioso ver como Clint é um diretor diferenciado. Quando faz filmes de guerra, como A Conquista da Honra, foge do óbvio e se concentra em um símbolo, como a foto clássica dos soldados americanos erguendo a bandeira na batalha de Iwo Jima. Em Invictus, diferente da maioria dos diretores que tocam no delicado tema do racismo, Clint não fala diretamente sobre injustiças, crimes ou atos de violência, mas olha para a união das raças e imagina o fim da intolerância, usando o esporte como símbolo. Comento isso porque muitos acham o cinema de Clint Eastwood demasiadamente trivial. Mas, na verdade, ele é um dos poucos diretores na atualidade que tem algo a dizer.

É natural que a trama de Invictus seja carregada de emoção. E ela pode vir de momentos tensos, mas que sempre são aliviados pela verdadeira intenção de Clint: Não há mortes ou violência em Invictus. É um filme situado na África sem matança generalizada, como acostumamos a ver nos últimos anos em produções como Diamante de Sangue, Hotel Ruanda e O Jardineiro Fiel. Sempre achei que veria, pelo menos, uma morte até o fim do filme. Mas não, Clint quer falar do lado bom do ser humano. Ele, agora, tem esperança. É como a sensação que causa a conclusão da fantástica cena do avião, mostrando que o diretor tem o público nas mãos, controlando as emoções que vão do medo ao alívio . Essa cena é a síntese da mensagem de Invictus, que é um dos maiores libelos contra o racismo já feito pelo cinema. É um filme, que como Gran Torino, segue a ideia de que o combate à violência pela violência é inútil. A violência destroi a si própria.

Clint fala de temas atuais como poucos. Consegue ser moderno sem precisar colocar a câmera na bola para mostrar sua trajetória em primeira pessoa, ou fazer gracinhas com pausas e acelerações na montagem. Nem balança sua câmera na hora do jogo de rugby para alcançar mais “realidade”, como fazem nove em cada dez diretores hoje em dia. Clint é Clint. Elegante, preciso, econômico na montagem final. Filma o necessário. Nem mais, nem menos. Clint é Clint. Repare na cena de abertura, em que o diretor, em apenas um plano, situa o espectador no problema do Apartheid: Brancos jogam rugby de um lado da rua. Sem cortar a cena, a câmera vira para o outro lado da rua e mostra negros jogando futebol. Clint é Clint.

Mas a primeira grande produção hollywoodiana sobre Nelson Mandela saiu graças a Morgan Freeman, que queria fazer este filme há muito tempo e o entregou ao amigo, que já o dirigiu em Os Imperdoáveis e Menina de Ouro. Freeman assina Invictus como produtor executivo e apresenta uma atuação que transmite aquilo tudo que esperamos de Nelson Mandela. Acho que o melhor elogio à atuação de Morgan Freeman é que o ator desaparece dentro do personagem.

O Mandela de Morgan Freeman e Clint Eastwood esbanja carisma e liderança naturais, dando aula de humanidade, cidadania e, sobretudo política. É como um bom político deveria ser, colocando sua autoridade à serviço do povo, que é a verdadeira família do governante.

Invictus é um dos melhores filmes já feitos contra o racismo e, ao mesmo tempo, sobre política. Também é um dos maiores exemplares do cinema sobre esportes. Não exatamente sobre o jogo de rugby, mas especialmente sobre o espírito de união do esporte, que fingimos lembrar na época de copas e olimpíadas. Não importa quem ganhe ou perca o jogo. O que vale é o espetáculo para o povo, que paga pra ver, como no cinema. No caso de Mandela, trata-se do “pão e circo” no bom sentido. Assim que sai da prisão, vê a oportunidade de unir brancos e negros pelo esporte. É o seu primeiro passo para uma África (ou um mundo) melhor.

Emocionante e inspirador à moda antiga, com música eufórica e alta em momentos de glória, e trilha melosa em cenas tristes – algumas beiram o sublime, como a visita do capitão do time de rugby, François (Matt Damon), à prisão de Mandela, Invictus é o tipo de filme que poderia ter sido dirigido por John Ford, que também colocaria sua câmera – no mesmo ângulo que Clint na saída do túnel que liga o vestiário aos gramados – posicionada atrás dos seguranças de Mandela, tomados pela sombra, vislumbrando o campo sendo irrigado para a partida final. Como John Wayne, na cena da porta, em Rastros de Ódio. Clint é Clint.

Invictus (Invictus, 2009)
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Anthony Peckham (Baseado no livro de John Carlin)
Elenco: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng, Matt Stern, Patrick Lyster, Penny Downie e Shakes Myeko

Angelina é a Eva de Clint Eastwood, que atordoa o paraíso dos homens

Clint Eastwood já dirigia filmes antes de Bird, de 1988, que lhe rendeu o Globo de Ouro. Mas foi em 1992, com Os Imperdoáveis, que ele comprovou sua maturidade e foi recompensado com o Oscar de Melhor Filme e Melhor Diretor. Depois disso, tirando um ou outro filmão (Um Mundo Perfeito, As Pontes de Madison), o grande Clint ainda se preocupava em explorar seu potencial como ator e entregou diversas produções comerciais. Algumas bacanas. Outras nem tanto.

Mas, em 2003, com Sobre Meninos e Lobos, Clint assumiu de vez seu talento como cineasta. E abraçou de vez o pessimismo na América já visto em Os Imperdoáveis. No ano seguinte, faturou mais uma vez os Oscar de filme e direção, por Menina de Ouro. Em 2006, filmou duas excepcionais análises sobre a Segunda Guerra Mundial: A Conquista da Honra e Cartas de Iwo Jima. Agora, ele lança A Troca (Changeling, 2008), que mantém a qualidade e a marca de Clint Eastwood em cada cena, mas que também, em relação ao período pós-Sobre Meninos e Lobos, representa seu filme mais fraco. Se é que podemos dizer assim, afinal é um trabalho de primeira.

Para mim, pela filmografia apresentada de 2000 até aqui, Clint Eastwood é o diretor da década. E incluo A Troca nesta seleção. Não acho que ele errou desta vez. Só… não foi tão econômico como costuma ser. Explico: Em seus melhores filmes, Clint é mestre ao supervisionar a edição. Não temos cenas em excesso, nem algo que poderia entrar para explicar melhor o filme. Nem mais, nem menos. Somente o necessário. Ou seja, ele é econômico. Já em A Troca, Clint se empolga e entrega um filme de 2h20, que parece ter 3h de duração.

Preciosismo? Talvez não. Isso é normal na carreira de qualquer grande cineasta e outros artistas. Um amigo meu, que odeia o Clint, já me disse: “Você aconselharia Leonardo Da Vinci a dar uma pincelada a mais ou a menos numa obra como a Mona Lisa?” Quem sou eu, enfim, para ousar dizer uma coisa dessas a Clint Eastwood? De qualquer forma, fiquei com essa sensação em A Troca. Por isso que digo que não há verdades absolutas na arte. Apenas opiniões. É gosto pessoal.

Ainda assim, A Troca é um trabalho acima da média, competente até a última cena. A reconstituição de época, que passa da década de 20 para os anos 30 da depressão americana, é um primor em detalhes registrados em cenários, figurinos, maquiagem e a fotografia de Tom Stern – aliás, a habitual escuridão das lentes deste diretor de fotografia nos filmes de Clint é equilibrada aqui com uma curiosa, rara e muito bem-vinda superexposição de luzes. Trata-se de um sinal de esperança na filmografia do diretor? Ou simples capricho visual? Eu acho que se trata de esperança, mas volto nisso mais tarde.

Tudo isso a favor de um Clint Eastwood que retorna a um tema doloroso, mas que marca sua filmografia: Pais desesperados em um mundo violento convivendo com a dor (ou a possibilidade) da perda de um filho. Isso é bem claro em Sobre Meninos e Lobos e Menina de Ouro.

Em Os Imperdoáveis e Sobre Meninos e Lobos, por exemplo, os respectivos personagens de Clint Eastwood e Sean Penn deixam uma vida de crimes para trás graças aos filhos, à família. Abandoná-los é como retornar a um caminho de trevas, solidão e violência. O tema “pais & filhos” também está em A Conquista da Honra e Cartas de Iwo Jima – neste último, o personagem de Ken Watanabe, prefere partir ao lado dos “filhos” a viver nas sombras. E em todos esses filmes, Clint segue com seu pessimismo não somente na América, mas na Humanidade que se espelha nos EUA, já que citei o “japonês” Cartas de Iwo Jima.

No entanto, em A Troca, Clint parte do mesmo princípio, só que explorando um lado até então inexistente em seus filmes: a esperança. E simbolizada aqui pela pura, doce e inocente figura da mãe, interpretada por Angelina Jolie, que passa pelos mesmos medos e inseguranças de Sean Penn, em Sobre Meninos e Lobos. Mas enquanto Penn utiliza a força bruta masculina, Angelina jamais abdica de sua feminilidade para combater a injustiça e encontrar sua merecida paz de espírito.

Ela está ótima sob a direção de Clint, mas dizer que o filme vale somente pela atriz é um equívoco. A Troca é 100% Clint Eastwood, mas apresenta uma Angelina Jolie surpreendente em sua atuação. A trama não depende exclusivamente de sua Christine Collins, que luta contra a corrupção e o descaso da polícia de Los Angeles para encontrar seu filho desaparecido. A Troca depende (e muito) de diversos personagens com falas e cenas importantes – não em histórias paralelas, mas em camadas que formam um todo, incluindo Christine Collins. Claro que Angelina é o centro das atenções, mas ela não está para o filme como Tom Hanks está para Náufrago ou Philip Seymour Hoffman está para Capote. Também não é certo dizer que o diretor fez um noir. Ele pode flertar com o gênero favorito de James Ellroy, mas, antes de qualquer associação, precisamos reconhecer aqui um cinema de autor. É puro Clint Eastwood.

Um autor que também trabalha a imagem forte que a mulher pode ter num mundo dominado por homens desde os primórdios. Clint costuma fazer “filmes de macho”, mas quando as mulheres tomam o controle da situação, o universo masculino é reinventado. É só rever e analisar as conseqüências causadas por Meryl Streep, em As Pontes de Madison, Hilary Swank, em Menina de Ouro, e, agora, Angelina Jolie, em A Troca.

O filme dá seqüência ao estudo do cineasta sobre uma América intolerante, racista e acima de tudo e de todos. Conviver em paz e de forma civilizada num país assim, só pode ser uma utopia. Mas, desta vez, na transição da Era Bush para a Era Obama, Clint tem esperança.

A Troca (Changeling, 2008)
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: J. Michael Straczynski
Elenco: Angelina Jolie, Jeffrey Donovan, John Malkovich, Michael Kelly, Jason Butler Harner, Gattlin Griffith, Eddie Alderson, Devon Conti e Colm Feore

A Conquista da Honra é um filmaço, mas Cartas de Iwo Jima (Letters From Iwo Jima, 2006) é uma obra-prima profunda e verdadeira.

Há uma tristeza amarga em Cartas de Iwo Jima, mas nunca evidente. É a história do lado derrotado em uma das batalhas mais sangrentas da Segunda Guerra Mundial. Cerca de 22 mil japoneses resistiram ao ataque de aproximadamente 100 mil americanos. A salvação dos soldados pode estar na figura paterna do General Kuribayashi (o extraordinário Ken Watanabe). Mais uma vez, Clint aposta na importância dos filhos para cessar a violência. Quando não há mais saída, a cultura de guerra japonesa solicita o harakiri – um ritual de suicídio e código de honra entre os samurais. Kuribayashi viveu um período de sua vida nos EUA. Ele conhece e admira os americanos, o que gera a antipatia de alguns oficiais japoneses. Por ter uma noção do inimigo, Kuribayashi respeita o harakiri, mas pede para que seus homens lutem até a morte para que o sacrifício não seja em vão. Acredite: você pode não aprovar o harakiri, mas vai respeitar a atitude dos japoneses no filme. É o conflito da honra. Como ótimo contador de histórias, Clint fez a mesma coisa em Menina de Ouro (2004), quando tocou de forma delicada no polêmico tema da eutanásia.

Pode-se dizer também que Cartas de Iwo Jima é uma homenagem de Clint ao cinema japonês, principalmente a Akira Kurosawa. Mas antes de tudo é uma leitura sobre a compreensão do inimigo, algo presente na segunda fase do cinema de John Ford. A coragem do diretor reside na câmera atuando como os olhos do exército japonês. Sempre vistos como inimigos impiedosos e sem alma, eles têm a mesma opinião sobre os americanos. A guerra em Cartas de Iwo Jima não é espetacular. Ela é íntima. Os túneis de Clint Eastwood simbolizam o interior humano. O pior medo está na cabeça e no coração dos homens. Talvez, o que aconteça neste reino (os túneis) seja pior do que ocorre lá fora, ou seja, a guerra propriamente dita contra o inimigo. A violência contra o lado desconhecido surge, primeiramente, do ponto em que o ser humano não se conhece inteiramente. Então, como pode compreender o outro? Há algo dessa idéia no personagem Ethan Edwards (John Wayne), de Rastros de Ódio (1956), o clássico de John Ford – ídolo de incontáveis diretores, inclusive de Akira Kurosawa.

Em uma cena particularmente tocante, um oficial japonês lê uma carta que estava no bolso de um prisioneiro ianque. É de sua mãe. Todos os soldados japoneses ficam comovidos e um deles diz algo assim: “Pensei que eles eram selvagens. Mas a mãe dele não pode ser tão diferente da minha”. Mais tarde, esse soldado japonês é capturado por um pelotão americano e assassinado a sangue frio. Como segmento de A Conquista da Honra, essa parte de Cartas de Iwo Jima se torna ainda mais poderosa. É o reconhecimento de cada um dos lados mostrado de forma sublime e a conclusão definitiva do cinema de que todos saem derrotados em uma guerra.

Cartas de Iwo Jima (Letters From Iwo Jima, 2006)
Direção: Clint Eastwood
Elenco: Ken Watanabe, Kazunari Ninomiya, Tsuyoshi Ihara, Ryo Kase e Shido Nakamura

Na primeira cena de A Conquista da Honra (Flags of our Fathers, 2006), um soldado corre pelo campo de batalha devastado e procura desesperadamente por alguém. Mas quem é essa pessoa? A questão respondida somente no final transforma A Conquista da Honra em mais do que uma homenagem aos soldados que ergueram a bandeira americana em Iwo Jima durante a Segunda Guerra Mundial. É um toque metalingüístico e sublime (não posso revelar) que dá outro sentido ao filme em uma revisão.

Inicialmente, Eastwood narra as conseqüências nas vidas de três soldados que estavam na famosa foto de Joe Rosenthal – eram seis, mas três deles morreram logo depois do registro da imagem. O cineasta parte de um ponto intrigante: não dá para ver os rostos dos soldados na foto. John Bradley (Ryan Phillippe), Ira Hayes (Adam Beach) e Rene Gagnon (Jesse Bradford) retornam aos EUA transformados em heróis pelo governo. Para o trio, trata-se de uma farsa e cada um sofre o peso de forma distinta. Para o presidente Harry Truman, essa é a oportunidade certa para comover o público e arrecadar fundos para a guerra. O filme se concentra mais nestes conflitos internos dos soldados do que na ilha de Iwo Jima.

A partir do roteiro de Paul Haggis e William Broyles Jr., Eastwood consegue ligar idas e vindas no tempo com maestria – sem nenhum exagero ou mecanismo para juntar as histórias (como já virou moda). Além de produzir e dirigir A Conquista da Honra, Clint compõe a trilha. É uma música belíssima, emocionante e que fica na cabeça por um bom tempo. Aos 76 anos, sua determinação é invejável. Sempre econômico, Clint não se deixa seduzir pela grandiosidade do tema, mas não decepciona nas ferozes cenas de batalha. O que é aquela visão do piloto de dentro do avião? Que detalhe magnífico! Mas é nas cenas mais intimistas, que Clint emociona de verdade e sem esbarrar em pieguices. Nenhuma lágrima é calculada em A Conquista da Honra. Mas é quase inevitável segurá-las. Seguindo a ordem dos mestres da Hollywood clássica, Clint sabe que não precisa mostrar muito para deixar o público perplexo – como na cena do soldado, que descobre o corpo do amigo dentro de uma caverna escura. Com seu rosto coberto de sombras, não sabemos se sua expressão é de raiva ou se ele chora.

Em A Conquista da Honra, Eastwood expõe as influências de seus mestres Sergio Leone e Don Siegel como não vemos desde Os Imperdoáveis. O conceito dos “heróis” idolatrados pela nação carrega uma ironia também vista em Os Eleitos, de Philip Kaufman. Talvez tenha até algo de John Ford na amargura e dor do soldado Ira Hayes (Adam Beach) – o índio não suporta ser chamado de herói quando não há o que celebrar. Há um significado trágico nessa vergonha dentro de sua alma. Adam Beach tem dois momentos gloriosos – a cena em que ele está sentado na cama e desabafa com um oficial é de cortar o coração. A outra é aquela em que ele anda sem rumo pela estrada. Beach pode não ser extraordinário, mas Clint tira dele o que bem entende e seu esforço é admirável. Alguns podem reclamar do elenco, mas a escolha se justifica pela inocência dos soldados diante do horror do conflito e, principalmente, da vida após a guerra. Ou seja, gente aparentemente despreparada para lidar com as emoções.

A Conquista da Honra fica ainda melhor quando vemos Cartas de Iwo Jima na sequência. O primeiro é o conflito sob o ponto de vista dos americanos, enquanto o segundo tenta conhecer o lado inimigo, o japonês. O respeito é tanto, que Eastwood quase não mostra o exército japonês em A Conquista da Honra. O inimigo aqui é a guerra em si. O diretor mostra que não há vencedores, apenas um sofrimento para o resto da vida. Se há um inimigo de carne e osso em A Conquista da Honra, ele é o governo americano. Eastwood olha para o passado para analisar o presente. É uma paulada na política de George W. Bush – ele não deve ter gostado do filme.

Há essa crítica política, mas é a arte que impera. A cena final é Clint Eastwood provando que homem chora em filme de guerra. E Cartas de Iwo Jima é ainda melhor. Mas é como Os Imperdoáveis, Sobre Meninos e Lobos e Menina de Ouro. Difícil dizer qual é o melhor. Vai do gosto de cada um. No momento, só posso dizer que A Conquista da Honra é o primeiro grande filme do ano.

A Conquista da Honra (Flags of our Fathers, 2006)
Direção: Clint Eastwood
Elenco: Ryan Phillippe, Jesse Bradford, Adam Beach, Barry Pepper, John Benjamin Hickey, John Slattery, Paul Walker e Jamie Bell