Quer dizer então que o Sr. Paul Greengrass quer alertar o mundo (leia: os americanos) que o Iraque não escondia armas de destruição em massa quando os EUA invadiram e colonizaram a ex-terra de Saddam Hussein? Se muitos ianques duvidavam (ou duvidam) disso, os brasileiros já sabiam há muito tempo que George W. Bush é o maior mentiroso deste século até o momento. Por isso mesmo, um filme como Zona Verde (Green Zone, 2010) nasce datado. E é uma pena que este seja o primeiro trabalho de Paul Greengrass após o fim da Trilogia Bourne.

Baseado no livro de Rajiv Chandrasekaran, ex-correspondente do Washington Post em Bagdá, Zona Verde deveria ter saído nos cinemas exatamente quando a batata estava quente, em 2003, na época em que se passa a trama do soldado Roy Miller (Matt Damon usando o mesmo nome de Tom Cruise em Encontro Explosivo) tentando descobrir a verdade sobre a misteriosa fonte que dizia ao exército americano onde estavam as armas nucleares. Mas bastava chegar ao local indicado para Miller bater com a cara na porta, sem história para contar e nenhuma ogiva como prova. Cansado de ser feito de bobo, ele parte numa cruzada como se estivesse num filme de Oliver Stone. E é neste ponto que Zona Verde fica extremamente confuso.

Quem conhece Paul Greengrass sabe que ele gosta de nos jogar no meio do caos da ação com sua câmera tremida de dar náuseas, como se o diretor fosse um documentarista no meio do conflito. É claro que lá pelas tantas, Matt Damon vai relembrar alguns cacoetes de Jason Bourne, enquanto o filme é brilhantemente montado de forma histérica pelo oscarizado Christopher Rouse (O Ultimato Bourne), mas tanto o livro de Rajiv Chandrasekaran quanto o roteiro escrito por Brian Helgeland (Los Angeles – Cidade Proibida, Sobre Meninos e Lobos) exigiam um cineasta apostando em um tom diferente, privilegiando a investigação. Como… Oliver Stone.

Obviamente que é possível unir ação, tensão e reflexão em um filme de guerra, afinal temos o exemplo recente do vencedor do Oscar Guerra ao Terror. Mas Greengrass quer fazer a plateia acreditar nos bastidores de uma teoria da conspiração quando está muito mais interessado em conduzir um espetáculo rápido, porém vibrante de ação moderna. No fim, vai do nada a lugar nenhum. Não entrega um filme memorável de ação, assim como decepciona na intenção de cutucar onça com vara curta.

Oliver Stone, por outro lado, teria o material perfeito para recolocar sua (ótima e autoral) filmografia nos eixos. Enfim, seria outro filme. E não teria tanta ação. Ou nenhuma. Mais: Nunca poderia estrear na temporada lucrativa do verão americano. Se quisesse realmente mostrar o horror da guerra na vida de seu protagonista (o soldado), Greengrass teria seguido o olhar intimista de Kathryn Bigelow. Se quisesse impressionar com a ação a serviço do drama, teria tentando se aproximar da visão de Steven Spielberg em O Resgate do Soldado Ryan. Se quisesse fazer um filme focado nos bastidores de um furo bombástico, teria se concentrado em Todos os Homens do Presidente, de Alan J. Pakula, lançado numa época em que os americanos ainda estavam chocados com o Watergate.

Mesmo assim, Zona Verde tem seus pontos interessantes. Bem ou mal, o inglês Paul Greengrass analisa, aos poucos, o “antes” e o “depois” do 11 de setembro ao somar Voo United 93 e Zona Verde. É curioso observar que em sua jornada – mais ética que existencialista, o que o difere de Bourne –, o personagem de Matt Damon representa o povo americano enganado por Bush. Seu Roy Miller é um idealista da Era Obama perdido na guerra do ex-presidente dos EUA. A montagem de Christopher Rouse, já comentada aqui, prepara terreno para uma revelação ou algum momento realmente tenso que Paul Greengrass infelizmente nunca entrega. Há também a ótima fotografia de Barry Ackroyd, o mesmo de Guerra ao Terror, que nos aproxima do cheiro e do calor do conflito. Além de um Greg Kinnear surpreendentemente malvado como jamais vimos.

Zona Verde (Green Zone, 2010)
Direção: Paul Greengrass
Roteiro: Brian Helgeland
Elenco: Matt Damon, Khalid Abdalla, Jason Isaacs, Brendan Gleeson, Greg Kinnear e Amy Ryan

Ao analisar o pensamento “triste do povo que precisa de heróis”, de Bertold Brecht, você precisa entender o referencial para julgar se o ditado é certo ou errado. No caso do estado de oposição entre brancos e negros na África do Sul, quando Nelson Mandela deixou a prisão em 1990, o país realmente precisava de heróis ou mitos, e que sua história fosse reescrita por feitos extraordinários de grandes homens, capazes de darem ao povo a esperança e a força necessárias para levantar da cama todos os dias. Que ninguém pense que Invictus (Invictus, 2009) é a cinebiografia de Nelson Mandela. Trata-se da visão de mundo do Clint Eastwood da Era Obama, que continua o grande diretor-autor que sempre tem algo a dizer, mas que cultiva a esperança na humanidade desde que realizou A Troca, em plena mudança de governo nos EUA.

E falar desta parte da vida de Nelson Mandela inspirou Clint Eastwood a seguir em frente com o cinema que gosta de fazer. Menos amargo, é verdade, dos tempos de Os Imperdoáveis, Sobre Meninos e Lobos e Menina de Ouro. Mais otimista, como em seus últimos filmes (A Troca e Gran Torino). Mais uma vez, pensando na América moderna, mesmo que esteja usando outro território (a África do Sul). Mais uma vez falando de intolerância racial e da relação problemática entre pais e filhos, que jamais se reconciliam, em um mundo dominado pela raiva e a violência. Todos esses elementos estão nos filmes de Clint Eastwood. Agora, ele só mostra mais otimismo.

Aliás, é curioso ver como Clint é um diretor diferenciado. Quando faz filmes de guerra, como A Conquista da Honra, foge do óbvio e se concentra em um símbolo, como a foto clássica dos soldados americanos erguendo a bandeira na batalha de Iwo Jima. Em Invictus, diferente da maioria dos diretores que tocam no delicado tema do racismo, Clint não fala diretamente sobre injustiças, crimes ou atos de violência, mas olha para a união das raças e imagina o fim da intolerância, usando o esporte como símbolo. Comento isso porque muitos acham o cinema de Clint Eastwood demasiadamente trivial. Mas, na verdade, ele é um dos poucos diretores na atualidade que tem algo a dizer.

É natural que a trama de Invictus seja carregada de emoção. E ela pode vir de momentos tensos, mas que sempre são aliviados pela verdadeira intenção de Clint: Não há mortes ou violência em Invictus. É um filme situado na África sem matança generalizada, como acostumamos a ver nos últimos anos em produções como Diamante de Sangue, Hotel Ruanda e O Jardineiro Fiel. Sempre achei que veria, pelo menos, uma morte até o fim do filme. Mas não, Clint quer falar do lado bom do ser humano. Ele, agora, tem esperança. É como a sensação que causa a conclusão da fantástica cena do avião, mostrando que o diretor tem o público nas mãos, controlando as emoções que vão do medo ao alívio . Essa cena é a síntese da mensagem de Invictus, que é um dos maiores libelos contra o racismo já feito pelo cinema. É um filme, que como Gran Torino, segue a ideia de que o combate à violência pela violência é inútil. A violência destroi a si própria.

Clint fala de temas atuais como poucos. Consegue ser moderno sem precisar colocar a câmera na bola para mostrar sua trajetória em primeira pessoa, ou fazer gracinhas com pausas e acelerações na montagem. Nem balança sua câmera na hora do jogo de rugby para alcançar mais “realidade”, como fazem nove em cada dez diretores hoje em dia. Clint é Clint. Elegante, preciso, econômico na montagem final. Filma o necessário. Nem mais, nem menos. Clint é Clint. Repare na cena de abertura, em que o diretor, em apenas um plano, situa o espectador no problema do Apartheid: Brancos jogam rugby de um lado da rua. Sem cortar a cena, a câmera vira para o outro lado da rua e mostra negros jogando futebol. Clint é Clint.

Mas a primeira grande produção hollywoodiana sobre Nelson Mandela saiu graças a Morgan Freeman, que queria fazer este filme há muito tempo e o entregou ao amigo, que já o dirigiu em Os Imperdoáveis e Menina de Ouro. Freeman assina Invictus como produtor executivo e apresenta uma atuação que transmite aquilo tudo que esperamos de Nelson Mandela. Acho que o melhor elogio à atuação de Morgan Freeman é que o ator desaparece dentro do personagem.

O Mandela de Morgan Freeman e Clint Eastwood esbanja carisma e liderança naturais, dando aula de humanidade, cidadania e, sobretudo política. É como um bom político deveria ser, colocando sua autoridade à serviço do povo, que é a verdadeira família do governante.

Invictus é um dos melhores filmes já feitos contra o racismo e, ao mesmo tempo, sobre política. Também é um dos maiores exemplares do cinema sobre esportes. Não exatamente sobre o jogo de rugby, mas especialmente sobre o espírito de união do esporte, que fingimos lembrar na época de copas e olimpíadas. Não importa quem ganhe ou perca o jogo. O que vale é o espetáculo para o povo, que paga pra ver, como no cinema. No caso de Mandela, trata-se do “pão e circo” no bom sentido. Assim que sai da prisão, vê a oportunidade de unir brancos e negros pelo esporte. É o seu primeiro passo para uma África (ou um mundo) melhor.

Emocionante e inspirador à moda antiga, com música eufórica e alta em momentos de glória, e trilha melosa em cenas tristes – algumas beiram o sublime, como a visita do capitão do time de rugby, François (Matt Damon), à prisão de Mandela, Invictus é o tipo de filme que poderia ter sido dirigido por John Ford, que também colocaria sua câmera – no mesmo ângulo que Clint na saída do túnel que liga o vestiário aos gramados – posicionada atrás dos seguranças de Mandela, tomados pela sombra, vislumbrando o campo sendo irrigado para a partida final. Como John Wayne, na cena da porta, em Rastros de Ódio. Clint é Clint.

Invictus (Invictus, 2009)
Direção: Clint Eastwood
Roteiro: Anthony Peckham (Baseado no livro de John Carlin)
Elenco: Morgan Freeman, Matt Damon, Tony Kgoroge, Patrick Mofokeng, Matt Stern, Patrick Lyster, Penny Downie e Shakes Myeko

Levante a mão quem jamais contou uma mentira na vida! Ninguém? Ok, tudo bem. Olha, não tenha vergonha, afinal somos normais. Agora, se alguém aí mente o tempo todo e, pior do que isso, acredita na própria lorota… Sinceramente, é melhor procurar ajuda profissional o quanto antes. Ou então vai acabar como Mark Whitacre,  ex-executivo de uma grande empresa de produtos alimentícios, que levou o FBI, seus colegas de trabalho, a imprensa, a própria mulher e a si mesmo em uma jornada compulsiva de mentiras que durou mais de uma década. Parece (desculpe-me pelo trocadilho) mentira, mas a história de O Desinformante (The Informant!, 2009) realmente aconteceu.

O filme começa no início dos anos 90 e vai até meados da primeira década deste milênio. Mark Whitacre (Matt Damon, excelente) é o vice-presidente da ADM, empresa responsável por colocar em diversos alimentos aquele ingrediente que faz toda a diferença – mesmo que, segundo ele, quase tudo seja derivado do milho. Sua rotina casa-fábrica-escritório é afetada quando um executivo japonês alega saber da existência de um sabotador na empresa, que funcionaria como uma fixadora de preços de seus produtos. E ele ameaça pôr a boca no trombone. O FBI entra na jogada e, apoiado pela esposa (Melanie Lynskey, de Two and a Half Men), Mark resolve contar a verdade aos agentes.

Até aqui, O Desinformante lembra tramas de filmes como A Firma e O Informante, mas isso é apenas o começo. O diretor Steven Soderbergh e o roteirista Scott Z. Burns, inspirado pelo livro de Kurt Eichenwald, estão  mais interessados no estudo do fascinante personagem que é Mark Whitacre, que se embola nas próprias histórias que ele mesmo acredita. Sua rede de mentiras vai longe demais e quando todo mundo descobre o tamanho do problema que se passa em sua cabeça oca, só resta ao grande mentiroso do filme aceitar que precisa de ajuda. No fundo, O Desinformante é sobre um homem muito doente. Parece triste, mas não é.

Steven Soderbergh quer fazer a plateia rir para não chorar e enche seu filme de narrações em off de Mark Whitacre, dialogando com seu próprio cérebro, que o alimenta de mentiras. Soderbergh reforça essa intenção estranhamente cômica com o uso de uma trilha sonora engraçadinha – um dos pontos antos do filme – que parece saída de uma sitcom dos primórdios da TV americana. Composta por Marvin Hamlisch, a trilha de O Desinformante é uma das melhores do ano. O que também tira a seriedade da trama é a ambientação exagerada de uma produção com cara de que foi feita na Hollywood dos anos 70 – preste atenção, principalmente, na abertura do filme.

Tudo o que foi dito no parágrafo acima funcionaria às mil maravilhas se Soderbergh tivesse uma assinatura. Perdido entre projetos experimentais, como Che, e superproduções, como Onze Homens e um Segredo, o diretor acha que pode pular de uma história para outra e de um gênero para outro somente para agradar ao próprio ego. Relapso, ele esquece que tem compromisso com a plateia que paga caro para ir ao cinema. Longe de ser um gênio, Soderbergh sabe filmar muito bem, mas precisa decidir o que quer da vida. Ou então, muita gente vai olhar para O Desinformante e achar que é um filme fraco dos Irmãos Coen. Por fora, o longa se aproxima do estilo dos talentosos cineastas de Fargo, Arizona Nunca Mais e Barton Fink, que sabem lidar perfeitamente com o drama e a comédia. Mas por dentro, O Desinformante não passa de uma produção sem identidade, feita por um diretor que brinca de fazer cinema somente para testar seus limites.

Ainda bem, pelo menos, que O Desinformante tem alma: Matt Damon. O ator, que mudou fisicamente para o papel, encontrou o tom certo do personagem e leva o filme nas costas com extrema facilidade numa atuação que anda na linha tênua entre o cômico e o trágico. É por causa dele que a crítica merece mais uma estrela.

O filme também vale pela grande quantidade de atores de TV dando as caras. Temos Scott Bakula, de Enterprise, Scott Adsit, de 30 Rock, Tony Hale, de Arrested Development, a já citada Melanie Lynskey, entre outros. E temos o prazer de rever o sumido Thomas F. Wilson, o vilão Biff Tannen, da trilogia De Volta Para o Futuro (quando Robert Zemeckis era bom).

O Desinformante (The Informant!, 2009)
Direção: Steven Soderbergh
Roteiro: Scott Z. Burns (Baseado no livro de Kurt Eichenwald)
Elenco: Matt Damon, Scott Bakula, Joel McHale, Melanie Lynskey, Tony Hale e Thomas F. Wilson

Na cena final de A Supremacia Bourne, o ex-agente sem memória (interpretado de forma brilhante por Matt Damon) conversa por telefone com Pamela Landy (Joan Allen), a líder da força-tarefa encarregada do caso na CIA. Ela conta ao herói sobre seu verdadeiro nome: David Webb. Ao desligar, Bourne parece não se importar muito com a informação e se perde no meio da multidão em Nova York. O filme termina, mas essa cena é importantíssima para compreender a proposta do diretor Paul Greengrass em O Ultimato Bourne (The Bourne Ultimatum, 2007), o extraordinário final desta trilogia.Agora ficou mais fácil entender que Greengrass não quis fazer “mais uma aventura de Jason Bourne” no segundo filme. Antes, parecia que Supremacia ia do nada a lugar nenhum. A impressão é que faltava alguma ligação dramática no festival de ação, pancadaria, velocidade, metal e vidro das duas primeiras partes. Com Ultimato, todos os filmes fazem sentido. São três atos que formam apenas um longa.

Lógico que é impossível experimentar todas as qualidades de O Ultimato Bourne sem ter Identidade e Supremacia bem fresquinhos na cabeça. Porém, o terceiro episódio fala mais alto do que os anteriores e surge como um filme de verdade. Claro que ainda é um thriller de ação e suspense, mas aqui é possível encontrar tudo o que um cinéfilo procura em um grande filme. Para mim, isso é um sonho que vira realidade. Sempre esperei que um diretor tentasse fazer um ótimo filme fora do gênero drama. Você me entendeu? Quero dizer “qualquer gênero” como Ficção Científica, Fantasia, Aventura, etc. Eu esperava pela chegada de um diretor capaz de apresentar um projeto desafiante a outros gêneros (e com a proposta de levá-lo a sério). Isso é raridade. Quando um roteiro não é assumido como drama, há uma idéia infeliz por ser generalizada: a maioria acha que são filmes feitos somente para diversão escapista. Mas nesta década, veio O Senhor dos Anéis, de Peter Jackson. E, agora, Paul Greengrass nos dá O Ultimato Bourne de presente. Nunca pensei que diria isso a respeito desse diretor, mas assisti ao filme como um aluno admirado pela grande aula de cinema do professor Greengrass. Logo ele, que nunca tinha me surpreendido antes.

E não somente pelo estilo do cineasta em filmar a ação de perto: você não a vê de longe, mas é jogado dentro dela. Para quem não quer estudar muito, a aula de Greengrass pode ser resumida em duas cenas (ou seqüências). E o professor é genial ao se aproveitar do máximo do suspense em um “filme de entretenimento”. Só vi isso em Hitchcock e Spielberg. São dois momentos de deixar qualquer um agarrado na cadeira, mas que seriam reduzidos a uma expressão barata e corriqueira como “pura diversão” nas mãos de outro cineasta. A primeira cena envolve Bourne ajudando um jornalista do The Guardian (Paddy Considine) e a segunda coloca o herói saltando de telhado em telhado no Marrocos até uma luta dolorosa de tão seca dentro de um banheiro minúsculo. As sequências são tão bem filmadas e editadas que deveriam estar em qualquer curso de montagem de cinema. O melhor nisso tudo é que a história vai junto com um filme que pode muito bem ser classificado como uma perseguição ininterrupta do primeiro ao último minuto. O roteiro é excepcionalmente conduzido até um desfecho nervoso – desde a abertura (e aproveitando o título do filme), a idéia fixa é a de que Bourne morrerá no final.

Greengrass e os roteiristas Tony Gilroy, Scott Z. Burns e George Nolfi partem dessa dúvida para explorar uma tensão que não parece ter fim. Mas não espere 100% de explicação, afinal os segredos que envolvem o passado de Jason Bourne não deixam de ser um MacGuffin. O importante é presenciar como o personagem, que já fez coisas terríveis, tenta encontrar paz e redenção.

E tudo é tão rápido e envolvente que praticamente esquecemos as ilustres presenças de atores como David Strathairn, Albert Finney e Joan Allen até ler seus nomes nos créditos finais ao som (pela terceira vez) de Extreme Ways, de Moby. O Ultimato Bourne não é somente o melhor filme de ação do ano. Isso é cinema de primeira e merece indicações ao Oscar ou qualquer outro prêmio. No mínimo, deveria ganhar uma estatueta de Melhor Montagem.

O Ultimato Bourne (The Bourne Ultimatum, 2007)
Direção: Paul Greengrass
Elenco: Matt Damon, Julia Stiles, David Strathairn, Joan Allen, Scott Glenn, Albert Finney, Paddy Considine e Edgar Ramirez